Textos roubados | Blood, guts and bullets

Death scenes tell you everything you need to know about spaghetti westerns, the most brutal and inventive of all film genres. Alex Cox picks his 10 favourite on-screen exits.

For some reason I thought it would be fun to gather all the Italian-made western DVDs and tapes I could lay my hands on, and watch them in the order they were made. An interesting experiment, which maybe I could turn into a book, or a long article on the development of one of the most peculiar and popular cinematic sub-genres. 

Some 200-odd spaghetti westerns later, the experiment is complete, but I am not sure what I have learned from it. Spaghetti westerns are violent, sexist, homophobic, intermittently racist, sometimes funny, most often boring and repetitive - like all westerns, or films generally.  Yet I still love the spaghetti western, for its anarchic politics, for its surrealism, for its stoic heroes and diabolical villains, and for its many macabre murders and massacres. Here, then, follow my Top 10 Italian Western Deaths.  

1 & 2 For a Few Dollars More  

Sergio Leone's second western (his first was a remake of Kurosawa's samurai film, Yojimbo) features the most horrible deaths of all. Both happen off-screen. It's early in the film, and we're getting to know the principal villain, El Indio (played by the wonderful communist actor Gian Maria Volontè - blacklisted till Leone made him a star again). Escaping from prison, Indio kills his cell-mate, numerous guards and the warden, but doesn't really establish himself as the Most Diabolical Western Villain of All Time until the following scene.  This takes place in an old church. Indio and his gang of outlaws have caught up with one Tomaso (played by Spanish actor Lorenzo Lorenzon), who turned Indio over to the law a couple of years ago. Indio remarks that the amount of time he spent in prison is the age of Tomaso's young child: "You took the reward money and used it to start a family." El Indio wants to kill Tomaso in a duel, so, in order to give Tomaso more of an incentive, he decides to do something really nasty to him. He orders his men to take his enemy's wife and baby outside. Two shots ring out.  If this were a Hollywood film of the period, mother and child would not be killed. Such things didn't happen in American films: the shots would have been fired in the air, the baby would be safe. Not in For a Few Dollars More, where Tomaso weeps because he knows his family is dead. Here is the hideous genius of Leone and the other masters of the Italian western: they weren't bound by a self-imposed censorship regime, known as the Hays Code. Unlike American westerns, spaghettis could include mercy killings, prolonged scenes of sadistic cruelty, and the murders of whole families in order to provoke revenge. And so they did.  

3 Django  

Sergio Corbucci was Leone's friend and rival. His first westerns were uninspiring. In the wake of For a Few Dollars More, he directed a truly remarkable one: Django. Much emulated (there were at least 50 sequels), Django is a truly original and demented film. The hero, played by Franco Nero, is a shell-shocked veteran of the civil war. He has no horse, and drags a coffin through fields of mud. Inside the coffin is a machine gun that he hopes to trade for gold. He fetches up in a ghost town dominated by two rival gangs: Mexican bandidos and southern racists.  Of the two sides, the Confederates are the worse. They run a protection racket in the town's only business, a brothel. The collector of the protection money is a protestant priest, the black-cloaked Brother Jonathan (Gino Pernice). It's Brother Jonathan's demise that earned Django trouble with the censor, and a worldwide reputation. Jonathan is caught by the Mexicans, who accuse him of being a spy. To make their point more clearly, the Mexican bandit chief cuts off the preacher's ear ... and makes him eat it. This is truly bizarre, utterly unexpected. And then they shoot him! Talk about over-egging the pudding. Corbucci was a hard-line leftist, and had no time for priests or pacifists, who are frequently murdered in his western films. But the death of the obnoxious pastor Jonathan is one of the high points of spaghetti history.  

4 Requiescant  

A fine, crazy western by the prolific and talented Carlo Lizzani, Requiescant has as its hero a Mexican killer-priest (played by the Uruguyan actor Lou Castell) who prays for the souls of his victims. His adversary is a white racist, Fergusson (an American, Marc Damon).The film's best moment comes when Requiescant (for that is his name) recovers his lost memory, and runs through the desert graveyard where his family was massacred, uprooting their rib cages, skulls and bones. Fergusson is memorably effete and manic, murdering his wife and dallying with the houseboys. In the final showdown, wounded, he begs the hero to let him die like a gentleman. "I don't know how a gentleman dies," Requiescant replies. He shoots Fergusson several times, after which a large church bell falls and crushes him.  

5 Quién Sabe?  

Quién Sabe? - also known as A Bullet for the General - is one of a number of spaghetti westerns set in Mexico during the Revolution. Leone's Duck, You Sucker! is set in this period, as are two or three of Corbucci's westerns. But Quién Sabe? - directed by Damiano Damiani - is by far the best. It is a time of liberation, yet all of its characters are trapped. El Chucho, the revolutionary peasant played by Gian Maria Volontè, is imprisoned by his own vanity and stupidity; Bill Tate, the gringo assassin portrayed by Lou Castell, is trapped by his lack of understanding and his obsessive love for Chucho.  The whole messed-up situation is visible in one scene, early on, when the revolutionaries stop a military train carrying arms. How to do this? Simple: capture an army captain and crucify him on the railroad tracks. The train, under the command of a lowly sergeant, won't be able to proceed unless the captain orders it to do so, crushing him in the process. This he won't do.  So the train is pinned down and Chucho's guerrillas are able to decimate its guards. By the time the order is given to move the train forward - killing the captain - the battle is already lost.  

6 The Big Silence  

Corbucci found himself in an interesting quandary. When he made films he didn't care about - such as Minnesota Clay with Cameron Mitchell, or feeble comedy-westerns such as Ringo and His Golden Pistol, aka Johnny Oro - the films were picked up by American studios and distributed around the world. When he made a film he liked, such as Django, it got limited distribution or was banned.  Nevertheless, incensed by the deaths of Malcolm X and Che Guevara, Corbucci embarked on a new, anti-authoritarian western with a mute hero called, yes, Silence (the French actor Jean-Louis Trintignant) set in the snow. The Big Silence is his masterpiece: a great, pessimistic, bitter western by a director who had once loved, and now hated, westerns. The film features many cruel deaths, none more awful than that of the hero himself.  Earlier in the movie, Silence - the mute, killer-of-bounty-killers - is jumped by the villains, who stick his hand into a burning brazier. Now he can no longer use his gun. But, when the innocent farmer-renegades are captured by the villainous banker's mercenaries, and their leader, Loco (Klaus Kinski) challenged him to a duel, Silence is obliged to respond.  The death of Silence - shot in the most cowardly and offhand manner, by subsidiary villains, through the saloon windows - is one of the saddest moments in any spaghetti western. It confirms Corbucci's pessimistic genius. And - thus annoying the American studio which had acquired the rights - The Big Silence remained unseen for many years.  

7 Once Upon a Time in the West  

Leone's art western features many memorable deaths. As in For a Few Dollars More, an entire family is slaughtered - simply to prove the villainy of Henry Fonda's bad guy, Frank. There is also an unforgettable death-by-flashback, in which the hero witnesses his brother's lynching. But for the jaded enthusiast, the most remarkable demise is that of Morton, the crippled railroad magnate. Throughout this long, angst-ridden film, Morton, writhing in physical agony, has survived due to his determination to reach the Pacific Ocean. This is why he's hired Fonda's character, the killer Frank, "To remove small obstacles from the track" - so that Morton may see the sea.  But Morton mixes his meetings, and attempts to have Frank killed. Frank returns to the train to settle their account, but finds only a host of corpses ... and the dying Mr Morton (Gabriele Ferzetti) scrabbling in the brackish, trackside ditch. Ennio Morricone adds to the irony with a delicate piano score; Leone's sound design includes waves, crashing on the Pacific shore that Morton will never see.  

8 Day of Anger  

This is a modest western by one of Leone's assistants, Tonino Valerii. It pairs Lee Van Cleef, the venerable American character actor, with Giuliano Gemma, sexiest and most muscular of all Italian leading men. Van Cleef's character trains Gemma's to be a gunfighter. A predictable scenario ensues. But the film has two high points: a manic cameo by a recently-arrived Canadian actor, Al Mulock (who sadly fell out of a window during the filming of Once Upon a Time in the West) and a great showdown between Van Cleef and veteran Italian stuntman, Benito Stefanelli.  Stefanelli plays a self-assured, somewhat theatrical bounty hunter who's after the gunfighter played by Lee Van Cleef. Their gunfight - with rifles, aboard galloping horses - is simply splendid: a moment of epic drama (which ends badly for Stefanelli's character) in a mediocre film.  

9 Don't Touch the White Woman!  

A French western directed by an Italian, Marco Ferreri, and starring a Buñuelian repertory cast including Marcello Mastroianni, Michel Piccoli, and Catherine Deneuve. This is the story of the battle of Little Big Horn, in which General Custer fields the US cavalry against the working-class citizenry of Les Halles. Shot during the destruction of the famous market, the film draws a parallel between Custer's genocidal mission and the 60s urban planners' loathing for the communities they were determined to "regenerate". It's all insane, all over the top, but very well done, and mysteriously unknown, given its outrageousness, its substantial budget and its all-star cast. Deneuve plays a simpering southern belle, flawlessly clad in pristine white, who has the hots for Custer (Mastroianni). Her death - an arrow through the throat as she professes banal love for Le Général - is notable slice of spaghetti savagery.  

10 Django Kill  

Django Kill belongs with the complete works of Buñuel and David Cronenberg's Shivers in the awesome armoire of surrealist cinema. Its director, Giulio Questi, didn't like westerns; when, at the height of the spaghetti boom, a producer friend asked him if he had any western scripts, Questi wrote a fantasy based on his own experiences as a teenage anti-fascist resistance fighter during the second world war. Unlike any other war film, or any other cowboy film, Django Kill - which the director prefers to call If You Live, Shoot! - is a catalogue of murder, hypocrisy, and perversion.  There are no good characters in the film: the worst of those present is one Hagerman, sometimes called the Alderman - played by Piero Lulli, an Italian who specialised in highly-strung maniacs. Hagerman locks up his wife, insisting she is mad and will burn down the house. Django, the hero, doesn't believe this and lets the woman go. But she is mad, and she does set the house on fire. Returning to find the Hagermans' home ablaze, Django watches as Hagerman races through the flames to the attic, where his gold is stored. But when he opens his strongbox and upends it, he discovers that the gold has melted with the heat of the blaze. Molten gold, one of Middleton's revenge mechanisms in Women Beware Women, pours forth all over his head and hands. Blind and ablaze, Hagerman, covered in melted gold, staggers through his collapsing, burning mansion.

Nota:  

Artigo escrito pelo conhecido entusiasta do western-spaghetti, Alex Cox. Originalmente publicado no Guardian. Link directo: http://www.guardian.co.uk/film/2009/apr/17/spaghetti-westerns-death-scenes

Textos roubados | Why westerns?

O western é antiquado. Não no sentido óbvio de se passar em tempos d'outrora, mas como género pop cultural. Como estilo de cinema a sua popularidade tem vindo a decrescer de forma consistente desde os anos setenta; como meme, o seu valor tem diminuído talvez ainda mais drasticamente.

Brincar aos cowboys e aos índios é cena dos nossos pais, ou até dos nossos avôs. Ridículo pensar que um saloio com um revólver poderia competir com os soldados, super-heróis, robôs gigantes e ninjas, alguns deles anfíbios, que povoavam o nosso imaginário infantil. Os mitos do faroeste não conseguiam impressionar uma geração cujo primeiro contacto com o estilo terá já sido através da sátira de um Lucky Luke.

Não se trata dum mero acaso. O western, em parte por culpa própria e em parte por difamação, estabeleceu-se como o último grande refúgio do Velho Mundo, em que homens (brancos heterossexuais) são homens, e o resto da população pouco interessa. Tomado de surpresa pelo triunfo das identity politics, o western virou, no subconsciente colectivo (que não propriamente no ecrã), um porto de refúgio para todo o tipo de ideias e atitudes reaccionárias. As tentativas de tornar o western mais politicamente adequado aos tempos modernos, por sua vez, acarretaram o cheiro suspeito de um revisionismo histórico demasiado limpo e desprovido de ambiguidade moral (vide “Silverado”). Reduzido assim ao estatuto de kitsch e integrado num verdadeiro cinéma du papa, pouco surpreende que não tenha muitos aderentes nos tempos correntes.

Mas alto! Tudo isto nem chega a ser metade da história. Vítima da sua própria iconicidade e da passagem do tempo, o western encontra-se hoje numa situação de ser permanentemente subestimado - um género cheio de complexidade, metáforas e ambiguidades reduzido a meia dúzia de lugares comuns e frases feitas. Isto é verdadeiramente trágico, e qualquer convivência, mesmo casual, pode acender um interesse mais profundo pelo estilo.

A Velha Hollywood

Os mitos do Faroeste não começaram no cinema. Durante o século XIX, abundaram na literatura popular narrativas de pistoleiros e índios; o sabor exótico do novo continente tinha tomado posse de uma parte da imaginação mundial muito antes de os cowboys aparecerem no grande ecrã. Quer isso dizer que muito daquilo que podemos achar mais oco na mitologia western - o herói de chapéu branco, por exemplo, ou o selvagem pele-vermelha - já possuía o estatuto de cliché quando os grandes mestres do estilo na fase da Hollywood clássica começaram as suas primeiras rodagens e que, por consequência, as abordagens que faziam destes assuntos eram bastante mais sofisticadas do que o que se imagina. O modelo de herói infalível que inspirou a personagem de Lucky Luke, por exemplo, pertence quase exclusivamente aos domínios da rádio, dos serials (filmes de série B divididos em capítulos e exibidos nos cinemas antes da atracção principal) e mais tarde da televisão; o cinema de Hollywood preferia personagens mais complexas e problemáticas. Em vez do herói nómada, o mais comum era a personagem principal ser um homem comum, forçado pelas circunstâncias a tomar alguma espécie de acção; de vez em quando, tratava-se até de verdadeiros rancheiros. Randolph Scott, cujo aspecto de simpático saloio o tornava ideal para este tipo de papéis, deu um dos seus melhores desempenhos em “The Tall T” de Budd Boetticher, fazendo o papel de um homem que vai à cidade para arranjar gado e acaba por servir de refém no rapto de uma jovem filha de um magnata local; em “Blood On The Moon”, Robert Mitchum é um velho rancheiro que recebe uma oferta de emprego como capanga de um amigo antigo; o tempo entre a sua aparição e a recusa final deixa espaço para muita ambiguidade moral.

E os heróis do western clássico são tudo menos infalíveis. Filmes como “My Darling Clementine” de John Ford e “Rio Bravo” de Howard Hawks (os dois maiores realizadores de westerns da sua era) mostram os seus protagonistas a lutarem com o álcoolismo; Anthony Mann, num ciclo de filmes dos anos cinquenta, demonstrava como os seus anti-heróis eram devorados pela violência do seu ambiente e pela obsessão de vingança. “Warlock”, uma obra soturna e melancólica, lida com o confronto entre um xerife (Richard Widmark) e o caçador de recompensas contratado para defender os habitantes da aldeia contra os criminosos que este não consegue eliminar (Henry Fonda), num filme que coloca questões difíceis sobre a natureza da lei e ao fim do qual ninguém tem halo.

Acima de tudo, e muito a contrário da ideia do herói solitário, os westerns da Hollywood clássica lidam com a criação de comunidades, com o conflito entre a chegada da civilização e a violência que lhe abriu o caminho. Tanto “Shane” como “Blood On The Moon” têm como pano de fundo a luta pelo novo país entre os veteranos rancheiros e os recém-chegados camponeses. “High Noon” tem como conceito principal a luta de um xerife (Gary Cooper) que tenta em vão recrutar ajudantes para defrontar um bando de foras-da-lei; a ideia da fraqueza da lei quando defrontada com o poder da violência ir-se-ia repecurtir durante muitos westerns, assumindo - através de filmes como “Once Upon A Time In The West” de Sergio Leone, “Il Grande Silenzio” de Sergio Corbucci e, mais recentemente, a série da HBO “Deadwood” - contornos cada vez mais claros de crítica ao capitalismo selvagem. Em “The Man Who Shot Liberty Valance”, John Ford resume a dialéctica principal do western: James Stewart, o defensor da civilização, da lei e da cultura; John Wayne o bruto que se rege pela lei da força. Stewart representa o futuro, Wayne uma espécie em vias de extinção - mas quando o psicótico Valance chega à aldeia, iniciam-se as dúvidas sobre a capacidade de sobrevivência da civilização sem o auxílio de uma violência primal e desprovida de legalidades como a de Wayne.

A Chegada dos Forasteiros

Se o western da Hollywood clássica exibia alguns traços de ambiguidade, o próximo grande passo na evolução do estilo iria dispensar quase totalmente com a noção de um compasso moral. Hoje em dia, os filmes da famosa triologia dos dólares estão entre os westerns mais conhecidos de sempre, e o tema de “The Good, The Bad & The Ugly” é talvez a banda sonora mais citada de todos os tempos. Mas quando Sergio Leone começou o trabalho em “A Fistful Of Dollars”, com um jovem actor de televisão chamado Clint Eastwood, ninguém esperava grande coisa de uma imitação barata italiana de um género que só fazia sentido nas mãos dos americanos. Leone era um cinéfilo nato, um obsessivo de westerns que venerava o solo pisado por John Ford; mas possuía também uma sensibilidade fortemente europeia, marcada pela vergonha do fascismo e pela miséria do pós-guerra. Com “A Fistful Of Dollars”, e os filmes que se iriam seguir, Leone criou um novo tipo de western, com um sentido de humor cínico e uma mentalidade pessimista: nos filmes de Leone, o dinheiro dita as regras, e o herói distingue-se do vilão não necessariamente pela sua nobreza mas sim pelas suas artimanhas - o código moral da Hollywood clássica substituído por uma cruel lógica darwinista.

“A Fistful Of Dollars” foi um sucesso surpresa, primeiro na Itália, depois pela Europa e pelo mundo afora. O sucesso de Leone levou a uma corrida pelo ouro em que incontáveis realizadores se passaram a dedicar àquilo a que os norte-americanos, em tom depreciativo, chamavam de spaghetti western. A maioria destes filmes eram bastante maus; mas entre os cash-ins havia também algumas pérolas, completamente diferentes de tudo que se tinha visto antes na pradaria. Enzo G. Castellari e Sergio Solina podem ser contados entre os melhores representantes do género; mas depois do intocável Leone, o maior realizador do género será talvez Sergio Corbucci, que em “Django” (com Franco Nero fazendo o papel de um cowboy que arrasta um misterioso caixão) criou uma das personagens mais duradouras do movimento. Corbucci, um marxista convicto, insistia em mostrar a miséria do faroeste; as suas As simpatias estavam sempre do lado das vítimas, e a sua atitude era predominantemente fatalista.

O spaghetti western revolucionou o cinema de várias formas: retirou ao herói a atitude moral; introduziu a utilização do one liner em tom cáustico, e aumentou sobretudo, de forma extrema e irreversível, o nível de violência que era permitido mostrar no ecrã. Assim, inventou basicamente o estilo de cinema de acção que tem dominado os grandes ecrãs nas últimas décadas. Para o western em si, foi uma renascença mas também um enterro: a febre pelo spaghetti western evaporou-se algures a meio da década de setenta, e marcou de facto a última era em que o western existiu como género de cinema vivo; a partir daqui, um western nas salas de cinema seria uma excepção, não uma regra. Mas antes disso, o estilo iria gozar ainda de um último génio: Sam Peckinpah.

Peckinpah era um realizador Hollywood à antiga; mas as histórias que queria contar nunca poderiam ter sido filmadas sem a influência dos spaghettis. “The Wild Bunch” lida com um bando de foras-da-lei envelhecidos que caminham para a sua morte; “Pat Garrett & Billy The Kid” é a história de um xerife que não quer apanhar um criminosos que não quer fugir. Leone e Peckinpah eram artistas diferentes, principalmente no que toca ao que normalmente é considerado o seu maior factor comum, a violência - em Leone, algo que acontece subitamente, para soltar um susto ou por vezes riso; em “Peckinpah”, algo que é mostrado em câmara lenta, com uma atenção rigorosa aos efeitos que uma bala tem sobre um organismo humano. Mas havia algo que os unia, de facto - uma preocupação intensa com a morte. De certa forma, era como se ambos soubessem que viviam no crepúsculo do seu estilo, com os velhos cowboys a caminharem pela última vez face ao pôr-do-Sol. Isto passa pela obra de Leone: a aldeizita controlada pelos dois bandos de bandidos em “A Fistful Of Dollars” tem algo de pós-apocalíptico, um mundo após a morte dos velhos heróis; Colonel Mortimer, a personagem protagonizada pelo veterano Lee Van Cleef em “For A Few Dollars More”, é um profissional à antiga, cuja única preocupação restante é a vingança. “The Good, The Bad & The Ugly” é o filme mais animado de Leone, em parte devido à vitalidade incessante do mexicano Tuco (Elli Wallach, num desempenho brilhante.) Mas o filme que se iria seguir, “Once Upon A Time In The West”, era assumidamente uma “dança da morte”, uma obra prima com um ritmo lúgubre em que todas as personagens se comportam como se estivessem a dar os seus últimos bafos de vida. E “dança da morte” será também um resumo adequado para as maiores obras de Peckinpah, com a sua obsessão por heróis envelhecidos.

O Fim do Oeste

Não houve mais grandes movimentos no western. Clint Eastwood, que deve a sua carreira ao género, tentou mantê-lo vivo ao longo do seu percurso como realizador, com níveis de sucesso variáveis. De resto, o western aparecia principalmente como pastiche ou tributo: “The Three Amigos” de John Landis, “The Quick & The Dead” de Sam Raimi, “Straight To Hell” de Alex Cox. John Carpenter notou que todos os seus filmes são westerns disfarçados, tese que faz particular sentido quando aplicada a “Assault On Precinct 13″ (1976). A atmosfera de spaghetti western trespassa fortemente alguns filmes de Quentin Tarantino, notoriamente “Kill Bill, Vol.2″ e “Inglourious Basterds”.

Mas estranhamente, em anos recentes, o western voltou também de forma mais directa. Não se pode falar duma renascença ou de um novo movimento - a coisa resume-se a meia dúzia de filmes e uma série de televisão - mas tem havido mais barulho na pradaria do que em algumas décadas. Se alguns dos westerns produzidos mais recentemente são apenas nobres fracassos, outros exemplos há que não dariam vergonha a Ford ou Leone. Ao longo de três temporada, “Deadwood” deu-nos uma visão rigidamente histórica e moralmente complexa de uma pequena aldeia criada fora da jurisdição do governo americano. Em Al Swearengen, o implacável dono de saloon protagonizado por Ian McShane, a série teve até um hardass icónico o suficiente para competir com os melhores papéis de Wayne e Eastwood. No grande ecrã, “The Assassination Of Jesse James By The Coward Robert Ford” trouxe-nos mais uma dança da morte, desta vez com Brad Pitt no papel do fora-do-lei ciente de que o seu tempo passou; como em “Deadwood”, nota-se a vontade de deconstruir o mito através da veracidade histórica, tornando-se lentamente aparente que o assassinato de James pelo supostamente desprezível Ford (Casey Affleck) foi apenas o culminar de uma relação muito mais ambígua do que contam os mitos.

O western é um género que se tem estado a deconstruir basicamente desde que nasceu: de Ford e Hawks até aos criadores de hoje, incontáveis guionistas, realizadores e actores têm trabalhado em desenmaranhar o misto de facto e mito que caracteriza as histórias do Velho Oeste. Mas cada desilusão cria um novo mito, cada subversão torna-se uma convenção. Sergio Leone disse a certa altura que queria fazer “contos de fadas para adultos”; talvez a sua predilecção pelo western se devesse ao facto de saber o quão poderoso é o género na sua capacidade de desarmar o nosso cepticismo.

A sobrevivência em condições extremas; a luta da civilização contra a violência bruta; a amizade, a traição, o arrependimento; as atrocidades que os Homens cometem por um punho de dólares; a euforia e o pavor de uma paisagem mil vezes maior que a nossa existência. Há certos temas que não saem de moda.

Nota:

Artigo escrito pelo jornalista Daniel Reifferscheid e originalmente publicado na Edição Nº50 (Novembro, 2009) do Rua de Baixo, website português de referência para pessoas de gostos alternativos. Link directo: http://www.ruadebaixo.com/porque-gostar-de-westerns.html

Textos roubados | Bud Spencer e Terence Hill – Icons do Xunga de Outrora

Aos olhos dos jovens de hoje, Bud Spencer e Terence Hill poderiam ser facilmente confundidos com um número de circo. Mas não de um circo qualquer, daqueles que são acompanhados por camelos moribundos e leões bulímicos e cujo apresentador, porteiro, vendedor de bilhetes e pipocas, faquir, contorcionista e ordenhador de alpacas são a mesma pessoa. Mas nos tempos áureos dos videoclubes e do cinema de bairro, eram o pináculo da comédia, o expoente máximo da gargalhada, como são hoje em dia Jim Carrey, Seth Rogen, Will Ferrel, Adam Sandler ou Ben Stiller.

No final dos anos 70 a Itália dominava o cinema mundial com os seus sub-géneros de baixo orçamento conhecidos como “Spaghetti”. Havia o mítico western spaghetti, o pós-apocalíptico, as comédias de acção e as comédias eróticas. Tudo isto devidamente dobrado em Inglês, com aspecto americano e com os actores a assumirem pseudónimos americanos. Sim, porque já na altura havia esta mentalidade imbecil de que apenas o cinema americano é bom. Bud Spencer e Terence Hill eram Carlo Pedersoli e Mario Girotti.

Os seus filmes eram bastante simples. Bud Spencer era um grandalhão gorducho, o tanque de guerra da porrada. Terence Hill era o malabarista contorcionista que elaborava complicadas ginásticas ao serviço das porradas de bar. Os seus filmes consistiam em sequência após sequência de bordoada de três em pipa, em que os nossos amiguitos saíam incólumes, penteadinhos e com a roupa engomada e todos os desgraçados que tinham apanhado no focinho ficavam deitados no chão a sofrer dores musculares, mas sempre vivos e sem ferimentos graves, feridas ou qualquer marca do porradão infernal que acabaram de apanhar…

Eu não sou do tempo em que os filmes eram feitos, uma vez que o meu auge do videoclube foi a partir de 1987, mas mamei os filmes deles todos em VHS e no cinema de verão da praia de Monte Gordo. Como não havia a oferta dos dias de hoje (nem os torrentes e as mulas, blink blink) os filmes eram vistos inúmeras vezes.

Eram filmes divertidos mas infinitamente xungosos. Tenho pena de não ter nada deles actualmente. Acho que há uma caixa de DVDs no Ebay com o original italiano e as dobragens em Inglês. Eu até comprava, mas tenho um filho para criar e não cago dinheiro, por isso espero que alguém compre e depois me empreste.

Fica aqui uma sequência (o chamado “best of”) para terem ideia do que estou a falar.

Nota:

Artigo originalmente publicado em Cinema Xunga, blogue sem papas na língua para quem aprecia cinema de qualidade duvidável. Link directo: http://cinemaxunga.net/blog/2009/07/07/bud-spencer-e-terence-hill-icons-do-xunga-de-outrorace/